Reflexión final

 ¿Qué es para ti la cultura audiovisual?

Para mí la cultura audiovisual es muy importante, sobre todo para nosotros, que queremos ser artistas (actores, actrices…)

Es el conocimiento de la imagen y de los medios audiovisuales. Además, al tenerlo nos ayuda a crear nuestras propias imágenes, tanto fijas como en movimiento. La cultura audiovisual abarca muchas cosas, y es como estudiar una etapa posterior a la Edad Contemporánea, que nunca damos en historia ya que es muy reciente, pero considero que es nuestro presente, y que debemos conocerlo también.

¿Consideras importante conocer el lenguaje audiovisual? ¿Por qué?

Sí, lo es. Como ya he dicho antes, es estudiar nuestro presente, los avances tecnológicos, cómo hemos llegado hasta aquí. Y aprendemos nuevas formas de arte y reconocemos a los artistas que las inventaron. Con el análisis de los medios y las imágenes entendemos un poco mejor lo que queremos hacer en un futuro y a construir nuestros propios proyectos.

¿Qué has aprendido en esta asignatura?

En esta asignatura he aprendido la importancia de la creatividad, que no está bien copiar a otros artistas, pero que sí que podemos buscar inspiración en ellos. He aprendido sobre cine, fotografía, la evolución de los medios y a analizar imágenes de todo tipo, desde cuadros, esculturas, fotografías hasta logos. También he aprendido la importancia de la constancia en el trabajo, y a ser más exigente con uno mismo para sacar lo mejor de nosotros. 

Con los retos hemos trabajado de forma práctica la asignatura, y actividades como la cianotipia han sido muy curiosas y divertidas de hacer. 

Análisis de una imagen

Se trata de una fotografía tomada en 1932 en Nueva York.

A simple vista lo que predomina en esta imagen son los colores empleados, o más bien la falta de color, ya que es una fotografía en blanco y negro. Esta gama nos hace entender que la foto tiene cierta antigüedad, además de crear más expresividad en ella. También da importancia a la forma y la composición de la imagen, como a las luces y los contrastes.

La fotografía muestra a once trabajadores de la construcción almorzando, sentados en una viga con los pies colgando a una gran altura, sobre las calles de la ciudad. Los trabajadores no tienen ningún sistema de seguridad ni arnés, por lo que la foto es un fiel reflejo de la situación laboral en Estados Unidos en aquella época.

De fondo puede apreciarse la ciudad, pero en tonos menos intensos y desenfocados, reflejando la lejanía y la altitud a la que se encontraban del suelo.

La obra está perfectamente encuadrada en un plano entero, que muestra a todos los obreros, y la escena está iluminada por la luz natural del sol, ya que estaban al aire libre.

Sin dudarlo es una imagen impactante, que produce a la vez una sensación de vértigo al encontrarse en las alturas, de confianza y admiración debida a la actitud de los obreros, y también de espontaneidad al ser tomada, ya que si apreciamos las expresiones y posturas de los hombres representados notaremos que actúan con cierta naturalidad. Un precioso momento captado en cámara.

Bodegón

Estas son imágenes de un bodegón. Estos pueden ser representados en pintura, pero en mi caso he utilizado la fotografía.

Tiene una composición muy cuidada y limpia, en la que solo se ven los elementos protagonistas, el soporte sobre el que están colocados (una mesa) y la pared del fondo. 

Como en la mayoría de bodegones, las protagonistas son unas frutas: manzana, medio limón y naranja, que se encuentran centradas en la imagen pero en la parte de abajo. Justo detrás de estas y sobresaliendo por arriba vemos una maceta con una frondosa planta que combina con los elementos naturales anteriores. A la izquierda de las frutas vemos una copa de "vino" (simula vino, no tenía). Y a la izquierda un candelabro plateado de una sola vela.

La pared es blanca y la mesa de madera, por lo que no llaman demasiado la atención, dejando todo el protagonismo a los elementos nombrados anteriormente.

Las tres imágenes están tomadas desde un plano ligeramente picado y la composición es simétrica.

La diferencia que podemos encontrar en las tres fotografías a continuación es la luz, que como podremos comprobar, afecta mucho:

La primera fotografía está tomada con luz natural, lo cual podemos apreciar ya que apenas hay sombras o son muy tenues. Los colores que se reflejan son los reales, los que todo el mundo ve normalmente. Todos los elementos se distinguen con claridad. La gama de colores cálidos (rojo, naranja amarillo…) utilizados le da cierto encanto al conjunto.

En este caso la luz es artificial, proviene de un foco. La principal diferencia es la cantidad de sombras producidas a la derecha, ya que es una luz dura que proviene de la izquierda.

Las sombras de los objetos (principalmente de la planta) se proyectan en la pared, y da un tono más teatral y expresivo a la imagen, no tan limpio como en el primer caso.

Por último en el caso final, encendí la vela, que es un elemento de la composición que además aporta luz. La escena está únicamente iluminada con la vela, por lo que lo que está más cerca de ella es lo que se ve con más nitidez. Los colores se ven más oscuros de lo normal, ya que la luz de la vela no es blanca, sino anaranjada, y produce mucha menos iluminación que el sol o que un foco.

En este caso da sensación de que es de noche, y parece una escena más elegante, ya que gana importancia la vela al resaltar por su característica luz.

Como vemos, la luz es un elemento muy importante a tener en cuenta para realizar una imagen, ya que puede transmitir cosas totalmente distintas según el uso que hagas de esta.

La representación del poder

La representación del poder

La historia de la imagen política es tan antigua como el hombre mismo. Desde las primeras hordas (primera forma de organización humana socio-política), el poder lo ejercía aquel al que el pueblo percibía como el más fuerte, dado que garantizaba la supervivencia del grupo. Algunos ejemplos de lo que digo son Cleopatra, Julio César o Marco Antonio.

Las imágenes son una forma de comunicación, de transmitir información, de expresar sentimientos o ideas, de representar la realidad, o mejor dicho de representar nuestra forma subjetiva de vivir la realidad. Al principio eran conmemorativas o decorativas, pero después pasaron a ser testimonios, documentos.

Todas las culturas han creado sus propias imágenes y símbolos acorde a sus creencias. El poder, sea religioso o de otra índole, ha sido durante muchos siglos el impulsor y amo de la imagen, es por esto que las primeras imágenes tan solo representaban a la gente con poder.

En el antiguo Egipto ya comenzaban a representar las primeras imágenes políticas, las de la gente con ese poder, que les permitía ser conmemorados por la eternidad. Por ejemplo esculturas de bulto redondo como la de la cabeza de Nefertiti, los decorados de los sarcófagos o las pinturas y esculturas de los faraones, completamente hieráticos y mostrando superioridad.

Más tarde en Grecia y Roma ocurría lo mismo, únicamente la gente con poder podía verse retratada, como los grandes emperadores o incluso los dioses, que aunque no fuese algo político sí que influía demasiado, ya que las sociedades eran muy religiosas en aquella época, y más tarde la Iglesia sería incluso más poderosa que el rey (en una época más tardía).

Cuando surge la figura del rey, es este el que se ve representado en las imágenes. Los cuadros son únicos y artesanales, así que solo gente con muchísimo poder (normalmente de la corte) tiene acceso a ellos, es un prestigio. Suele haber un "pintor de cámara", que es el artista residente en la corte, al servicio de los mandatarios o reyes. Estas imágenes estaban asociadas al poder, y el poder se servía de ellas para fines propagandísticos y políticos.

Con la aparición de los mecenas y ya no sólo los reyes son representados, sino que la gente o familias muy adineradas también, por ejemplo los Medici, familia de banqueros italiana muy importante.

Con la aparición de la fotografía, poco a poco, casi todo el mundo fue teniendo acceso a la imagen. Empezando por obtener una cuando alguien de sus familias fallecía, para poder recordarle. Más tarde las fotografías se fueron normalizando, y eran una manera más rápida de obtener una imagen. No requerían el tiempo, esfuerzo y profesionalidad que conlleva pintar un cuadro. (No cualquiera puede pintar un cuadro realista, pero hacer una fotografía, ya sea mejor o peor, representa igualmente la realidad).

En la actualidad, cualquiera puede realizar una fotografía y enfocarla como quiera. Puede utilizarse con una función apelativa como hacen los partidos políticos. Añadiendo un eslogan o una frase, incitando a la gente a que les vote y tratando de convencer de que su partido es el mejor. Además cada partido crea un logotipo, con función simbólica que les representa.

Sin embargo y por el contrario, los medios de comunicación son capaces de realizar el efecto contrario. La imagen política no sólo se usa para cosas buenas y para dar poder a las personas, sino que puede servir para hundirlas y distorsionar el mensaje que esas personas quiere dar. Como por ejemplo la imagen del "puedes confiar" - "des confiar" de Rajoy.

Esta visión en contra del poder es más reciente ya que como ya había comentado, cualquiera puede realizar fotografías y manipular la información hoy en día. En el pasado, al ser la gente poderosa los mecenas de los artistas, resulta impensable que las propias obras que ellos habían pagado reflejasen otra cosa que su magnificencia.

A pesar de todo esto, podemos hallar similitudes entre la imagen clásica política, un cuadro de un rey por ejemplo, y la actual, que es la fotografía política. A excepción de las que van en contra de algún político, ambas imágenes suelen representar cualidades buenas de las personas reflejadas: ser fuerte, simpático, cercano al pueblo, decidido... que trata de convencer a todo el que la ve de que es o será un buen líder. Pretende transmitir confianza pero respeto, al espectador.

Como mi propia imagen representando el poder, decididí capturar un momento de un concurso de baile urbano que tuvo lugar el otro día.

En ella podemos ver la entrega de premios de la competitición, y los participantes que quedaron en los tres primeros puestos, y que por tanto posaban sobre una estructura muy bien pensada.

La estructura consta de tres cajas de diferentes alturas, y que tienen un número de un color en la parte frontal. La caja número tres, la más baja, asimila el color del bronce, que es el metal con menos clase de los tres. En esta se sube la chica que quedó (de entre los mejores) en el puesto más bajo, igual que la caja. En la caja de altura media se sube la que quedó en segunda posición, representada con un 2 de color plateado, que asimila la plata, el segundo metal con más prestigio de los tres. Y por último en la caja más alta, la número uno, se sube el que quedó en la posición más alta, representado con el color oro y con el premio más grande de todos. 

La altura de las cajas, el tamaño y color de los números e incluso la ubicación de cada uno de los ganadores (el ganador está en el centro ocupando todo el protagonismo), son símbolos de poder. Los más poderosos siempre han estado por arriba, rodeado de lujos (oro) y posicionados como los número 1, que significa que nadie tiene más poder que ellos, que son los primeros, los que ganan. Por otra parte fijándonos en los números observaremos que están rodeados por unas ramitas de laurel, que era el símbolo de Julio César, un hombre muy poderoso en Roma. En los juegos romanos al ganador se le coronaba con una corona de hojas de laurel, por lo que también indican poder y prestigio. Y ya por último los diplomas que sostienen entre sus manos. Cada uno con una cifra escrita con el premio obtenido. El número uno es el que obtuvo la suma de dinero más grande, y por tanto, una vez más, se convierte en el más adinerado y en el que tiene más poder en la escena.

Fotografías ByN VS Color

 Fotografías ByN VS Color

Nos encontramos ante una imagen, específicamente una fotografía, en la que destaca una fija mirada a la cámara.

La imagen es rectangular, está apaisada y tiene un formato de 4608×3072. En primer plano vemos a un chico de ojos claros, ligeramente a la izquierda, que mira fijamente a la cámara, y cuya mirada está iluminada con un rayo de luz. Detrás de éste hay un paraguas negro que aporta oscuridad a la imagen.

La imagen esta tomada desde un ángulo frontal, y centrándose sobre todo en la mirada. La luz, que únicamente pretende iluminar a la anteriormente nombrada mirada, es artificial, y es una luz dura de izquierda a derecha, ya que produce sombras a la derecha. La fotografía está tomada de noche, para que la luz natural no interfiera.

Estas características son iguales en ambas imágenes, pero ahora vamos con las diferencias. La más notable y que se percibe a primera vista es el color, o hablando de la primera foto, la ausencia de éste, porque está en blanco y negro. Quitarle el color verde de los ojos, rosado de las mejillas o burdeos de la camisa evita distracciones, y consigue que el elemento protagonista sean indudablemente los ojos, ya que todo lo demás se ve oscuro y monótono. También la expresividad cambia, dando la primera una sensación de tristeza y de profundidad que no puede conseguir el color en este caso.

En estas fotografías se trata la corriente experimental, ya que se centra en las formas y juega mucho con las luces y las sombras, como podremos comprobar. Además cuenta con una función emotiva, porque pretende provocar un sentimiento en el espectador.

El mensaje que representan estas imágenes es el de una persona que pese a estar rodeada de oscuridad, incluso bajo un paraguas negro, que representa aquellos días lluviosos, nublados, considerados los más tristes, ve un rayo de luz que le anima a seguir adelante.

Esta es la obra del famoso fotógrafo Man Ray en la que me he inspirado para realizar mis imágenes. El artista, jugando también con las luces y sombras decidió que la franja de los ojos sería la que no estaría iluminada, pero yo no quería hacerlo exactamente igual, así que preferí hacerlo a la inversa para darle un toque más personal a este trabajo. También cambié la dirección de la mirada para crear un sentimiento de empatía con la persona fotografiada, al dar la sensación de que te está mirando directamente.

Ouka Leele

En primer lugar tenemos la fotografía original. Realizada en horizontal, con forma rectangular y en un ángulo frontal. Se centra en una mujer con el torso ligeramente doblado hacia la derecha, pero que mira a la cámara con una sonrisa. Se posiciona en el medio de la imagen y es un primer plano. La mujer lleva un triciclo sobre la cabeza, que se inclina hacia la derecha. En el fondo vemos una pared y una puerta con cristaleras justo detrás de nuestra protagonista, y a su izquierda desde nuestra perspectiva una ventana.

Es una imagen muy expresiva y llena de color. La monocromía del fondo y el jersey permiten que los vivos colores del triciclo; rojo, amarillo, verde y azul; y el llamativo rosa de los labios de la mujer (que es mi madre) destaquen aún más, al crear un contraste.

La foto está tomada en un lugar con amplias ventanas y con fondo blanco, por lo que la luz es natural y abundante. No crea ninguna sombra, es por esto que se trata de una luz suave.

Tiene una función estética que busca llamar la atención del espectador con sus colores, además del hecho de que no suele verse a gente con un objeto tan extraño sobre la cabeza. Esta es una característica notable de los trabajos de Ouka Leele, la artista a la que estoy homenajeando al hacer este trabajo.

 

Tras realizar la imagen con la cámara comencé con la edición, para obtener un resultado más parecido al de Ouka Leele. Recorté la imagen para centrarla más y eliminar distracciones como la ventana. También logré un mayor grado de simetría. Y bajando al máximo la saturación logré quitarle todo el color original, para más tarde poder colorearla a mi antojo. Jugué además con el contraste bajándolo, para que así quedase mejor el coloreado.

Sigue teniendo el factor de extrañeza que aporta el triciclo sobre la cabeza, pero la ausencia de color transforma totalmente la imagen, y pierde bastante expresividad.

Por último empecé a seleccionar cada parte de la fotografía que pintaría de cada color, como por ejemplo; el triciclo rojo, aqua, magenta y azul; la piel de mi madre amarilla; su pelo azul oscuro; el jersey verde o el fondo violeta. Los pinté detalladamente y este fue mi resultado final. 

Es una fotografía muy llamativa y surrealista por los colores empleados, pero creo que la técnica de Ouka Leele es realmente creativa y da resultados diferentes a los que estamos acostumbrados.

Iconicidad

En esta imagen podemos apreciar a un perro en su máxima expresión, que es la fotografía.

La segunda imagen consta de un dibujo del chihuahua, que es una representación más simple que la fotografía, pero no es la más sencilla.

Por último y al fin tenemos al animal en su mínima expresión, representado con un icono.

Primera toma de contacto

Para mí la cultura audiovisual es el conocimiento de la imagen y sus componentes, ya sea una fotografía, un vídeo o cualquier expresión audiovisual.

Considero importante conocer el lenguaje audiovisual debido a la era en la que vivimos, que según la llaman es la "tecnológica". Es por esto por lo que creo que todos deberíamos tener conocimientos básicos en este ámbito.

En esta asignatura me gustaría aprender más sobre vídeo, fotografía, color e iluminación, ya que además de que tengo una familia mayormente fotógrafa y estaría bien saber más sobre ello, me gustaría ser actriz, y creo que tiene bastante que ver.

Análisis de una imagen

A simple vista lo que predomina en esta imagen son los colores empleados, o más bien la falta de color, ya que es una fotografía en blanco y negro. Esta gama nos hace entender que la foto tiene cierta antigüedad.

La imagen muestra un claro enfoque en unos obreros sentados sobre un andamio en las alturas. De fondo puede apreciarse la ciudad, pero en tonos menos intensos y desenfocados.

La luz parece ser la adecuada y la obra obra está perfectamente encuadrada.

Sin dudarlo es una imagen impactante, que produce a la vez una sensación de vértigo al encontrarse en las alturas, de confianza y admiración debida a la actitud de los obreros, y también de espontaneidad al ser tomada, ya que si apreciamos las expresiones y posturas de los hombres representados notaremos que actúan con cierta naturalidad. Un precioso momento captado en cámara.

Bodegón y sus luces

En la primera imagen podemos distinguir una luz violeta que nos impide distinguir totalmente los colores originales del bodegón, ya que lo empapa con su color, además de crear una sensación de oscuridad.

En la segunda sin embargo ocurre lo contrario, al ser una luz blanca podemos ver con claridad las tonalidades de cada elemento. Podemos distinguir una sombra, la cual nos indica que la luz viene desde arriba.

Por último, la sombra de esta tercera imagen nos indica que la luz se transmite desde el lado derecho (creando así la sombra en la izquierda). Estos rayos al estar más cerca y ser más directos penetran en algunos objetos como el tarro de perfume, y aparecen reflejos de estos en el cristal.